martedì 17 luglio 2018

"I know, I know I can be a bit much" - intervista a Elsa Lester


Il mese scorso, nella periodica rassegna di nuove uscite indiepop, vi avevo già confessato di essermi innamorato di Elsa Lester e del suo EP Dinner Party, una raccolta dal carattere esuberante e spigliato di deliziose canzoni "da cameretta". Elsa, il cui vero nome è Lisa van Kampen, si presenta "as DIY as one can be", ma dato che in giro non si trovavano molte altre informazioni su di lei, mi è venuta voglia di scriverle direttamente, e lei si è dimostrata gentilissima e paziente nonostante il mio inglese amatoriale. Poi, come spesso succede in queste piccole interviste via email, da quel leggero sfasamento tra domande e risposte a distanza saltano fuori delle sorprese interessanti, tipo quando io sbaglio completamente riferimenti musicali e così lei mi parla dei suoi dischi preferiti (citando anche i Petite League!). Elsa Lester è una delle rivelazioni indiepop dell'anno, Dinnner Party sarà una delle colonne sonore dell'estate di questo blog, ma io non vedo già l'ora di sentire cosa la giovane cantautrice olandese saprà regalarci in futuro.
Dinner Party è disponibile anche in cassetta via Z Tapes.

* * *

Hi Elsa, when did you start making music and how?
I started making music when I was 7. I started with piano, had lessons for 8,5 years, picked up the guitar when I was 13, picked up bass guitar and cello when I was 19. So I’ve been making a lot of music for 16 years now.
I always wanted to be a musician and write my own songs so I started doing that when I was around 20 years old. The first proper song that I wrote was Happy Hollywood and two months later I released my second proper song Lemonade. That’s when I really started working on my music.
I was in one other band before Elsa Lester. We were called Until We Fall and played metalcore/hardcore. It was fun but we were not at all a serious band. Three of them actually play in my band now.

Did you play all the instruments on the album and EP?
Kind of. I played and sang everything except for the drums, I used software for that. I have my own band that play with me during shows.

The first thing I read about you was “The Netherlands’ version of Courtney Barnett”: do you think it is fair to your writing and your idea of music? Or did you feel it was lazy and an easy comparison because you are both girls with a guitar?
I take it as a big compliment. I haven’t been listening to Courtney Barnett for a long time but I recently bought her entire discography and saw her live a couple of weeks ago and boy, she’s good. I love her music. But I do understand where you’re coming from. I think people tend to compare musicians to each other when they have the same gender. Now that you’ve mentioned it, people always compare my music to other female artists like Liz Phair and Frankie Cosmos. Never noticed it, until now.

It seems to me that the sound on the new EP is a bit more indiepop than Stress Relief. Would you say this is correct? If so, what has changed in the meantime, other than the name of the project.
Yeah, I changed my artist name a couple of months ago from Great Profile to Elsa Lester because I didn’t want to have a ‘band name’ as my artist name. People were always confused when I told them that Great Profile was just me. The music also changed a little bit because I wanted to write more rock songs and not the poppy songs like True Blue, Indigo, and I Didn’t Wanna Meet You. I mean, I still like those songs and we still play them live but I love rock music more.

Beside Courtney Barnett, I would list different comparisons for Dinner Party, for example Lois, Tiger Trap, Flatmates, Vaselines and maybe also All Girl Summer Fun Band. Do you like some of them? What are your favorite indie pop records?
I don’t know any of them, haha! Some of my favorite indie pop/rock records are: Down In Heaven by Twin Peaks, Sometimes I Sit and Think, and Sometimes I Just Sit by Courtney Barnett, Boronia by Hockey Dad, Slugger by Petite League, Sad Boys by Surf Curse, and Next Thing by Frankie Cosmos.

In Somewhere you sing "You make my heart feel like a joke": I think it's a great line to describe the way people sometimes make you feel when you passionately talk about indiepop and they just don't have a clue: but what the song is actually about?
That’s funny! I totally get what you’re talking about. I like a lot of smaller bands and I can’t share that passion with anyone and it totally sucks! A lot of people don’t get my music taste haha. That’s why I always go to shows alone.
Somewhere is actually about me trying to escape a toxic relationship that I was in with a guy for three years. I wanted to leave because he was an asshole, did a lot of bad things, and made me feel like total shit 24/7 but I couldn’t for some reason. People who have been in that kind of relationship know what I’m talking about. The other one makes you feel like they are the only important thing in your life that’s left and you are so dependent on them. A lot of mixed feelings are described in this song.
Somewhere is part 2 of two songs that I wrote about this relationship. This song is written from my (a female) perspective) while Say No, part 1, is written from my ex’s (a male) perspective.

Is there a main or recurring theme on the new record? What is the inspiration behind the lyrics?
I’d say, and this is super cliché, but love is definitely a main theme on the record, whether it’s good, bad, or unrequited love. I guess the only interesting things that happen in my life are about love, and I have a shitty love life hahah!

Why did you choose to release the EP on cassette? A recent article on The Quietus celebrated the uncool CD format: cheaper, with a lower environmental impact and extremely DIY. Do you have an opinion about "the return of vinyl"?
I like cassettes. I think they look cool because they’re so small and it’s super retro. I released Stress Relief on CD but I think CD’s are old fashioned now. Vinyl is the most popular but it sucks that it’s so expensive. I have a couple of records on vinyl but I only buy vinyl when I really really like the record and I know that I’ll listen to it often. I hope to release my music on colored vinyl some day, already looking forward to it!

venerdì 13 luglio 2018

I thought I wanted to be up high


"I started a new band because I'm basically having a midlife crisis": non ci credo ma suona bene. Chi ricorda i Letting Up Despite Great Faults sarà felice di sapere che Mike Lee e Daniel Schmidt, ovvero due terzi di quella formazione, ora hanno messo in moto un nuovo progetto. Si chiamano semplicemente Fanclub, fanno base a Austin e vedono alla voce Leslie Crunkilton, già nei texani Dizzease (che avevano bei colori molto All Girl Summer Fun Band).
Con fin troppa modestia i Fanclub si definiscono "indiepop that probs sounds like everything else", ma in effetti a giudicare dal primo singolo Leaves, sembra che tutti i riferimenti che avevamo a cuore siano ancora lì: Postal Service, The Radio Dept., Figurine, sfumature shoegaze a fare da cornice a un bedroom pop sintetico e scintillante. Se "everything else" suonasse sempre così io sarie felice. Intanto godiamoci questo esordio e aspettiamo il resto.
Come spiega la Crunkilton, "Leaves is about the process of figuring out how to keep myself grounded when things are particularly tumultuous":

mercoledì 11 luglio 2018

"Collectivism and autonomy are not mutually exclusive"


In un’epoca disperata, in cui anche i più arroganti articoli sulla morte dell’indie rock sono ormai estinti, Wide Awake, il nuovo disco dei Parquet Courts è stato una botta di adrenalina iniettata direttamente nel nostro vecchio cuore post-punk con un gesto tanto deciso e perentorio quanto ingegnoso e acuto.
Soprattutto è un disco che dell’epoca disperata in cui esce parla senza timori o esitazioni. Pieno di dubbi e dilemmi, questo sì (“Allow me to ponder the role I play / In this pornographic spectacle of black death / At once a solution and a problem” – canta Violence), ma determinato a passarli in rassegna uno per uno, e a sbatterceli in faccia, insieme alle sue e alle nostre contraddizioni.
We are conductors of sound, heat and energy
And I bet that you thought you had us figured out from the start

Sono i due versi con cui si apre l'album, e a dire il vero, se c’era qualcosa che mi aspettavo “from the start” da questo nuovo lavoro del quartetto di Brooklyn, erano proprio testi come questo: l’ermetismo iper-analitico e frenetico, ma al tempo stesso combattivo e denso di proclami, di Andrew Savage è una delle cose più esaltanti successe nella musica di questi ultimi anni. Quanto vorrei che nel loro deludente merchandising ci fosse una maglietta con "Collectivism and autonomy are not mutually exclusive".
Che stiano parlando di estinzione del genere umano (Before The Water Gets Too High), dell’indifferenza che abbiamo imparato a mantenere quando entriamo in contatto con la povertà (NYC Observation) o della lunga e faticosa elaborazione di un sentimento di lutto (Death Will Bring Change, dedicata alla sorella, con un devastante coro di bambini che ripete il titolo quasi con allegria), il messaggio dei Parquet Courts punta a dissezionare quello che diamo per scontato nella nostra società, quello che siamo costretti a credere e quello che ci fa comodo credere. E non manca mai di sottolineare il dolore che ci trafigge in maniera costante, forse l'unica cosa di cui possiamo essere sempre sicuri, insieme all'ossessione per il profitto in cui siamo immersi.
Lately I’ve been curious, wondering
Do I pass the Turing test? Do I think?
I’m not sure I wanna know

E poi c’è il suono, o per meglio dire: i suoni. I Parquet Courts sono maestri nel gestire un assortimento di influenze e riferimenti e a tirarli fuori di volta in volta, secondo lo scopo, con cambi fulminei da una canzone all’altra, o anche all’interno della stessa traccia, con scarti di tempi che mi lasciano steso (vedi qui Almost Had to Start a Fight/In and Out of Patience oppure Total Football). A questo giro buttano nell'impasto qualche ritmo dub e reggae in più rispetto al passato (Back To Earth), e qualche frugale ornamento di tastiere, grazie probabilmente all'inattesa collaborazione con Brian Burton aka Danger Mouse nel ruolo di produttore. Ma per il resto c'è tanto dei ruvidi e potenti Parquet Courts che amiamo da sempre, e che ogni volta riesce incredibilmente a sembrare ancora più a fuoco e ancora più nitido: Wire, Minutemen, Devo, Talking Heads, aggiungiamo anche i Liquid Liquid nella danzereccia e travolgente title-track. Come questi ragazzi riescano a reggere il passo della loro iper-prolifica discografia, date queste premesse, è un miracolo.
I’ve learned how not to miss the age of tenderness
That I am so lucky to have seen once
And now that I’ve become older I’ve learned how to brush over
My history and how it’s sequenced

Ma è questo per me il vero miracolo: la sicurezza, la compiutezza di un gesto elegante e al tempo stesso netto e severo, da grande autore mi viene da dire, come se questo disco fosse un romanzo, con cui i Parquet Courts legano la canzone più toccante e personale in scaletta (Freebird II - in cui Savage racconta il rapporto con la madre tossica e allo sbando) con il finale del disco, la quasi scanzonata Tenderness (che a me fa venire in mente, non so perché, addirittura i Doors): "I can’t count how many times I’ve been outdone by nihilism / Joined the march that splits an open heart into a schism". Eppure, alla fine, come un "junkie going cold / I need the fix of a little tenderness". Ed è proprio lì, nonostante tutto, che gli intransigenti Parquet Courts ti dicono che riescono a ritrovare l'umanità in questi tempi disumani, a cantare una speranza sfatta e a brandelli, ma ancora viva, e io penso che sia una cosa davvero grandiosa e bellissima.

(mp3) Parquet Courts - Total Football

domenica 8 luglio 2018

Flyin' Zebra live @ polaroid!

Flyin' Zebra live @ polaroid!

Lunedì ho concluso la diciassettesima stagione di "polaroid - un blog alla radio" e per l'ultima puntata ho avuto in regalo un bel live in studio. Non ne facevo da un sacco (è stata un'annata anche un po' pigra e distratta, lo so), e sono tornati a trovarmi i Flyin’ Zebra, che tra l'altro hanno da poco fuori il nuovo EP Death By Shaokao e un nuovo video allucinogeno. Era quello che ci voleva: dentro il loro suono puoi perderti ma anche riprenderti di colpo, e mi piace l'equilibrio che sanno trovare - sopratutto nei concerti - tra le influenze più apertamente psichedeliche e la voglia di spingere sul puro rock'n'roll. È stato un "season finale" tonificante e, nonostante i brindisi con le birrette ormai tiepide, mi ha dato una bella carica per ritornare in onda dopo le vacanze.
Qui trovate il podcast dell'intera ultima puntata, mentre qui sotto le canzoni che i regaz ci hanno regalato dal vivo:

Flyin' Zebra
live @ "polaroid - un blog alla radio" 2018/07/02

- Head Rush
- Talkin' About Food With Timothy Leary
- Dakota

sabato 7 luglio 2018

"Metric alone fails to tell the whole story"

Quella vecchia rubrica che una volta si chiamava "Polaroids From The Web" [*]


▶️ «I think part of the reason the media was so happy to embrace Spotify is rooted in a distrust of the label system. For an older generation, record labels were the music industry’s primary boogie men: dressed in suits and digging their grubby hands into artist’s pockets and master tapes. Implicit in the charge that labels need to get with the program and join Spotify is the assumption that Spotify would, in the parlance of Silicon Valley, disrupt the major label system. The most optimistic view is that this disruption would ultimately benefit artists looking to get their music in front of the biggest audience possible. It didn’t quite work out that way. The streaming revolution didn’t disrupt the major label system, it fortified it»: "Editors’ Choice: Stream Bloody Gore" su Invisible Oranges (webzine che non conoscevo, anche perché parla di heavy metal).

▶️ E già che stiamo parlando di streaming, un interessante approfondimento su Billboard: "Millions of Followers? Yes, But Some Top Spotify Playlists Fall Short on Engagement" (articolo che si scontra un po' con la vaghezza di certe metriche intorno alla piattaforma).

▶️ La storica etichetta indiepop Slumberland Records sta per compiere trent'anni e lancia la SLR30 Singles Subscription Series, un classico "singles club" che promette di essere molto ricco, con tredici 45 inediti, esclusivi e a tiratura limitata, da qui a dicembre 2019. In programma band come Dolly Dream (con Meg Remy di U.S. Girls), Wildhoney, Pale Lights, Failed Flowers (Anna Burch insieme a Fred Thomas dei Saturday Looks Good To Me), solo per citare alcune di quelle già annunciate. Ovviamente si parla già di "exclusive color vinyl pressings, fun goodies throughout the series, and finally a bonus single at the conclusion of the subscription that will not be available elsewhere", mentre sono previste diverse soluzioni per le spedizioni (non proprio economiche). Aprono la serie i Rat Columns, che ci regalano anche la canzone che fa da antipasto a tutto il progetto, Sometimes We're Friends:

▶️ "Discover an Archive of Taped New York City-Area Punk & Indie Concerts from the 80s and 90s: The Pixies, Sonic Youth, The Replacements & Many More" (una vera miniera, ad avere qualche settimana di tempo).

▶️ Se invece avete soltanto una mezz'oretta, su BBC Radio4 si può ascoltare un documentario su Aphex Twin curato da John Doran, già editor di The Quietus.

▶️ A proposito della webzine britannica, "A Man Escaped: The Style Council’s Confessions Of A Pop Group 30 Years On": The Quietus riconsidera (e a ragione) uno degli album meno fortunati della carriera di Paul Weller.

▶️ I redivivi Essex Green sono tornati dopo più di dieci anni con un nuovo album (su Merge Records) intitolato Hardly Electronic e Louder Than War li ha intervistati (l'intervista, diciamolo, non è delle più memorabili, ma è già così raro trovare un po' di approfondimenti dedicati all'indiepop che ci accontentiamo).

▶️ "So many female artists get shunted to the side and it's tragic": Drowned In Sound qualche giorno fa ha pubblicato una bella intervista a Tanya Donelly delle storiche Belly (che da poco hanno pubblicato un nuovo album, Dove).

▶️ «Such is life in 2018; love stories increasingly begin online and are perpetuated through text conversations, Facebook relationship statuses, and Instagram couple photos. Hozie and Belfiglio are hyperaware of this, using the all-encompassing role of technology in our lives not only to describe their own experiences, but also to portray what being a resident in Brooklyn during the Trump era is like for the outside world»: se già non li avevate sul radar, sul Village Voice c'è un bel profilo per fare la conoscenza dei Bodega, nuova super hype band di casa What's Your Rupture (prodotta da Austin Brown dei Parquet Courts) che ha appena pubblicato Endless Scroll:

▶️ Una di quelle raccolte curate da Bandcamp che mi fanno impazzire: "Seven French Artists Putting a New Spin On Yé-Yé", e si apre ovviamente con le mie preferite Juniore. "Don’t expect pure nostalgia from the acts below, though. Their sound is very now".

▶️ Un po' telefonato, ma che vuoi farci, siamo nostalgici: sul Guardian un lungo pezzo per ricordare "Thirty years since the second summer of love".

▶️ "The Grandeur of Great Protest Music - Political art that outlasts its times needs more than just a powerful message" (via The Atlantic).

▶️ Non riguarda direttamente la musica, ma è una lettura che mi pare molto stimolante: "Did blogs ruin the web? Or did the web ruin blogs?" (via Kottke).

▶️ Per concludere una notizia di casa nostra: Birthh sta per tornare in tour negli Stati Uniti e Keeponlive la intervista. «Questo tour ha uno scopo preciso che è quello di provare i pezzi nuovi e vedere anche le reazioni del pubblico nei confronti dei brani. Li presenterò con l’arrangiamento delle demo quindi non saranno le versioni definitive. Prima ancora di iniziare la registrazione del nuovo album vorrei rodarli live, quest’aspetto mi è mancato con il primo album».

lunedì 2 luglio 2018

Future me hates me


"polaroid - un blog alla radio" S17E32

Das Kope – Ready For The Summer
Blueberry – Cross Game
The Beths – Future Me Hates Me
Dumb – Romeo
Elsa Lester – Somewhere
The Catenary Wires – Was That Love
Massage – Oh Boy
Charles Irwin – Inner Feelings
Sharesprings – Something Soon
Snail Mail – Pristine
The Wolfounds – The Anti-Midas Touch

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venerdì 29 giugno 2018

Video première: Flyin' Zebra - "Dakota"!

Un viaggio acido, l'ombra di un sogno, spiriti dei boschi, una cascata per purificarsi, qualche antico semidio del rock'n'roll che si nasconde dietro una maschera o che forse siamo noi stessi nello specchio. Lasciatevi portare in fondo a questa nube di suono: troverete i Flyin’ Zebra pronti ad accogliervi a braccia aperte e a regalarvi una invitante Death By Shaokao.
Il nuovo EP, arrivato un anno e mezzo dopo l’esordio su cassetta DEMO, colpisce per la maggiore aggressività delle chitarre, la coesione e l’intensità che i Flyin’ Zebra hanno messo a punto in tutti questi mesi di concerti, e che ora finalmente sono riusciti a fissare anche in studio.
Come spiega Germana Bargoni, voce e chitarra dei Flyin’ Zebra, «quando sei al primo disco hai sempre un’idea fissa di dover far capire il genere a cui fai riferimento, cosa stai citando, qual è l’immagine di te che vuoi trasmettere. Invece, con questo nuovo lavoro, credo sia evidente che ci siamo scrollati di dosso certi filtri volontari. È successo in maniera naturale: suonando – soprattutto live – ci siamo conosciuti meglio e abbiamo trovato un luogo-linguaggio comune che mette tutti d’accordo».
Le canzoni di Death By Shaokao infatti nascono principalmente in studio, in maniera più collettiva e dinamica rispetto al passato. Le melodie iniziali vengono spesso smontate e fatte a pezzi, sconvolte sotto chitarre più acide che in passato. «Crediamo che il risultato di queste cinque canzoni rifletta un approccio più “di gruppo” rispetto al passato, quello che siamo diventati, assieme».
A rinforzare questa idea molto fisica che i Flyin’ Zebra riescono a innestare nella loro musica, Death By Shaokao è stato registrato in presa diretta (su registratore a otto tracce insieme a Devid Ongaro e alla band dei Dead Horses), e basta scorrere titoli come Swarm Blood o Bruise per intuire l’energia che lo attraversa.
Oggi qui su "polaroid - un blog alla radio" abbiamo il piacere di ospitare la première del video di Dakota, girato da Tamara Gasparini, traccia al centro dell'EP e che nelle sue due parti mi pare rispecchi un po' le due anime stesse della band, tra psichedelia folk più sognante e accelerazioni elettriche piene di nervi e muscoli.

PS: Lunedì prossimo 2 luglio, i Flyin' Zebra saranno ospiti dal vivo in radio (credo poco unplugged, ma vedremo) per la puntata finale della diciassettesima stagione! Appuntamento alle 22.45 su Radio Città del Capo, in FM e streaming!

PPS: Se poi vi state chiedendo da dove diavolo arrivi il singolare nome della raccolta (pubblicata dalla etichetta francese Helzapoppin Records), sappiate solo che è il ricordo di un misterioso cibo di strada cinese, venduto di notte da venditori ambulanti su certi improbabili carretti per le strade di Pechino, e al quale la formazione dei Flyin’ Zebra è sopravvissuta solo grazie alla propria attitudine parecchio rock’n’roll.

giovedì 28 giugno 2018

Feel it coming


Se Roma si affacciasse sulla costa californiana, e guidando dal Pigneto a Santa Cruz tu mi dicessi “metti su la cassetta che ascoltavamo la prima volta che siamo andati al mare assieme”, io ti sorriderei e suonerei Peach Gloss degli Sweat.
Le tavole da surf piantate nella sabbia davanti al Pantheon, laggiù si colora il tramonto, brindiamo con le prime due birre della sera mentre le chitarre si accendono di garage pop sfavillante. A te piacciono i Black Lips e i Together Pangea, io ti parlo di quel genio sottovalutato che era Charlie Megira. Guardiamo i ragazzini passare in skate e ci ricordiamo di quando andavamo alle prime feste della Burger Records a Trastevere.
La brezza che soffia dall’Oceano Pacifico e la sagoma del Cupolone contro il cielo, gli amici che ti aspettano a Echo Park mentre sei bloccato da ore nel traffico sul Raccordo, ma tu sei troppo innamorato e non te ne accorgi nemmeno, e pensi alle onde azzurre all’orizzonte: quando sei dentro la musica degli Sweat puoi sentire tutto questo.
Gli Sweat sono una band romana fondata nel 2014 da Federico Colaboni e Marco Salah (già leader dei Love The Unicorn), con l’aiuto di Giovanni Rindi (al basso) e Pierantonio Grassi (alla batteria). Avevano debuttato nel 2016 su Slimer Records con l’EP Sugar High, registrato insieme a Filippo Strang al VDSS Studio. Stessa produzione anche per questo nuovo lavoro, pubblicato da Coypu Records insieme a We Were Never Being Boring. Come racconta la band, Peach Gloss è semplicemente “un omaggio a tutta la musica che abbiamo scoperto e ascoltato insieme, in tour o magari nelle notti fuori a bere”. Nel frattempo i ragazzi hanno condiviso palchi con band come The Shivas, Froth e gli italiani Bee Bee Sea, hanno promosso la scena locale e non solo organizzando concerti e festival, come lo SweatFest, proprio in collaborazione con la Burger Records, o il Royal Rumble. Peach Gloss racchiude cinque tracce di “garage pop che sa di baci con la lingua” e fa volare via cavalcando un surf.

martedì 26 giugno 2018

I wish I gave you more time because I love you


La notizia del giorno è senza dubbio l'annuncio dell'atteso ritorno degli Hater, giovane band svedese che mi aveva conquistato sin dalla prima nota e che oggi vedo passare tranquillamente su testate come Stereogum, Gorilla VS Bear e Clash Magazine. Se lo meritano, anche alla luce di quello che riescono a esprimere dal vivo (chi era alla loro prima surreale data italiana di qualche mese fa, nella sperduta provincia di Varese, non dimenticherà presto quella notte). Il seguito di You Tried arriverà il prossimo 28 settembre, si intitolerà Siesta e sarà addirittura un doppio album, con 14 canzoni. Come il precedente EP Red Blinders sarà pubblicato dalla britannica Fire Records, casa di Chills, Modern Studies, Scott & Charlene Wedding e Virginia Wing, tra gli altri, e soprattutto etichetta che ha in catalogo alcune preziose ristampe come Television Personalities, Pere Ubu e Close Lobsters.
Il comunicato annuncia che Siesta è stato prodotto insieme a Joakim Lindberg, già al lavoro con Yast e Hey Elbow, due band spesso più aggressive degli Hater. Stando a quanto si può ascoltare nei primi due estratti, It's So Easy, quasi dalle parti di New Order e Cure, e la più morbida e suadente I Wish I Gave You More Time Because I Love You, con tanto di luccicante sassofono, la band di Malmö è maturata tantissimo. Scittura che sa essere elegante e limpida mantenendo tutta la sua carica di dramma. E la voce di Caroline Landahl continua a essere una carezza per il cuore. Non so davvero come faremo ad aspettare settembre.

UPDATE: per il lancio dell'album gli Hater hanno annunciato anche un tour europeo e ci sono tre date in Italia!
- venerdì 9 novembre: Torino @ Bla Bla Bla
- sabato 10 novembre: Bologna @ Efesto
- domenica 11 novembre: Ravenna @ Moog Slow Bar

lunedì 25 giugno 2018

Golden days to come

"polaroid - un blog alla radio" S17E31

Last Leaves – Golden Days To Come
Alpaca Sports – Baby Pop
The Beths – Happy Unhappy
Hello Paris – In Between Us
[in collegamento con Andrea “Benty” Bentivoglio per la rubrica “Troppa Braga“]
Dott (feat. Sadie Dupuis) – Like a Girl
Discus – Fateline
Baseball Gregg – Infinite Scrolling
Juniore – Magnifique
Superorganism – Famous 2.0 (Dan the Automator on the Fader)

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venerdì 22 giugno 2018

L'impegno a margine


Questo piccolo post non parla direttamente di musica, ma del mondo dentro cui la musica suona, del mondo in cui la musica dovrebbe portare in qualche misura piacere, il mondo in cui viviamo anche quando non parliamo di musica. Il giornalista musicale Paolo Madeddu ha scritto sul suo blog A Margine un ottimo articolo in cui passa in rassegna alcune recenti uscite pubbliche tra social e interviste di molti importanti cantanti italiani:
«Primo, è legittimo non avere un’opinione. Persino in Italia.
Secondo, è legittimo non capirci niente.
Terzo, sono tanti i personaggi autorevoli – o presunti tali – che in questa fase se ne restano silenti, magari per capire meglio da che parte tirerà il vento.
Quarto, là fuori c’è gente con le zanne, gente che augura stupri e morte a te e ai tuoi figli.
Quinto, anche il più anarcoide degli artisti ha un manager. Che ogni giorno cerca di evitare imprudenze. E gli concede, al massimo, di saltare su carri del vincitore, purché sia l’uomo giusto al momento giusto – tra i cantanti Veltroni aveva sicuramente più amici di Renzi, e Grillo aveva più amici di Di Maio.»
"Marginalità – Cantanti italiani e (...senza offesa) impegno nel 2018", per quanto possa essere giudicata ancora parziale, è una lettura che trovo significativa e che mi ha colpito. Se ne parlava proprio in questi giorni con un po' di amici: questo è il nostro Paese oggi, l'Italia che dovremo spiegare prima di tutto a noi stessi un giorno, e a quelli a cui la lasceremo. Io sono sempre più a disagio, soprattutto a parlare soltanto di musica.
Non si chiede ai nostri cantanti mainstream o indie di essere tutti dei Bruce Springsteen, ma lascia sconcertati quanto poco si adoperi chi gode di un'ampia platea per mostrare di avere anche soltanto un po' di buon senso. Non occorre dichiararsi esperti di politica per riconoscere che chi ci dovrebbe governare si sta comportando da irresponsabile, o in maniera preoccupante, dannosa e potenzialmente pericolosa, alzando il livello dello scontro come se non ci fossero conseguenze. L'ipocrisia che pervade questa stagione è evidente. Non si tratta nemmeno più di un problema di “comunicazione”: stiamo vivendo in un mondo che parla come un coro da stadio ventiquattr'ore su ventiquattro, con relativa intelligenza, ed è una situazione logorante. Mi sembra chiaro che lo si faccia sempre più consapevolmente e apertamente, con pervicacia, per usare un termine logoro e in apparenza anacronistico.
Il pezzo di Madeddu mi ricorda che rifugiarsi nella musica, nella propria nicchia, dietro a un "questo è soltanto un piccolo blog, cosa potrebbe mai fare" è sempre meno sufficiente. D'accordo, saranno soltanto "marginalità", ma sono le nostre, cominciamo da qualche parte, cominciamo a tenere queste, mostriamoci di più, con un po' più di coraggio.

giovedì 21 giugno 2018

Tell me that I'm the only one, and I hope I never get a clue


Sull'orlo, sul precipizio, come un fotogramma prima di inciampare, nell'istante in cui ti rendi conto che "Though you've got so much to do / In the end you could waste your whole life anyways", e questo pensiero entra e resta nella tua carne giovane, resta e piega da lì in avanti ogni parola, spunta ogni pensiero di parola detta e non detta. Anytime è la canzone che chiude Lush, il nuovo album di Lindsey Jordan, ovvero Snail Mail, cantautrice appena ventenne di Baltimora, approdata alla Matador. Ma "anytime", insieme a "anyway" o "anywhere", è anche una delle parole che ricorre più di frequente tra i versi del disco. Come se non potesse fare a meno di comunicare la necessità di contenere tutto e contenerlo nello stesso momento. C'è un mondo nuovo e smisurato che le si affaccia davanti, e la risposta di Snail Mail sembra essere quella di abbracciarlo, cercare di assorbirlo in profondità. Ci sono gli innamoramenti impetuosi, i cuori spezzati che non si dovevano più aggiustare, la rabbia e la frustrazione per lo spreco dei sentimenti (Heat Wave), le storie di una notte, l'impazienza dei nuovi entusiasmi, tutto il timore dentro la domanda più sincera del mondo ("Don’t you like me for me?" - Pristine), la consapevolezza di chi all'improvviso può dire "I'm in full control, I'm not lost / Even when it's love, even when it's not" (Full Control), e la stessa consapevolezza che alla fine ti fa ripetere "stupid me, stupid me" all'infinito (Golden Dream).
Nel suo cercare in ogni maniera di accogliere tutto questo, Lush è un disco di una franchezza disarmante, senza indulgenza. A molti ricorda quel rock Anni Novanta tipo Liz Phair e Fiona Apple, mentre la Jordan cita apertamente anche influenze più mainstream, tipo Avril Lavigne e Coldplay, e io direi che si può tranquillamente aggiungere Snail Mail a quel nutrito gruppo di voci femminili che rivendicano con forza e poesia di non essere più soltanto "voci femminili", come Girlpool, Waxahatchee, Soccer Mommy o Frankie Cosmos, giusto per fare alcuni nomi cari anche a queste pagine. Queste chitarre, queste parole e - diciamolo - questi essere umani sono quello di cui ha bisogno e che salva l'indie rock nel 2018.

martedì 19 giugno 2018

I've been waiting here for too long

Massage - Oh Boy

Ci sono un paio di cose che mi hanno reso subito simpatici questi Massage: quando si sono formati, a quanto pare un po' per caso, hanno cominciato a scrivere canzoni prendendo a prestito un riff dei nostri cari Twerps, e poi alla voce hanno Alex Naidus, già bassista della prima formazione dei Pains Of Being Pure At Heart (ora trasferito a Los Angeles ed editor a Buzzfeed). Per quanto mi riguarda ci sono già tutti gli elementi dell'hype indiepop più smodato.
Dopo un primo singolo, lodato anche da Stereogum, ora sta per arrivare un album intitolato Oh Boy per la label australiana Tear Jerk Records. Alla produzione c'è Jason Quever dei Papercuts, e il quintetto di L.A. ammette che l'ispirazione dietro quei suoni così dolcemente jangling, affini anche ad altre band "down under" come Dick Diver e Boomgates, in effetti risale ai Go-Betweens, definiti "ground zero for today’s Aussie scene". Non posso che essere entusiasticamente d'accordo.
Se cercavate una "ramshackle vibe" super positiva per questo inizio estate, la trovate qui.

lunedì 18 giugno 2018

Pretty bad, man


"polaroid – un blog alla radio" – S17E30

The Homesick – St. Boniface
Any Other – Walkthrough
Mikey Collins – Sound in Here
The Essex Green – Sloane Ranger
Massage – Lydia
Castlebeat – Town
Wild Nothing – Letting Go
Alpaca Sports – Nobody Cares But Me
Elsa Lester – Pretty Bad, Man
The Bedrooms – Raconteurs
Burning House – Peach

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sabato 16 giugno 2018

"Many people just pretend that they like Can. But they don’t."

Quella vecchia rubrica che una volta si chiamava "Polaroids From The Web" [*]


● «Maybe rock as we know it will never cycle back in vogue. It could very well get smaller and smaller as its last dinosaurs like Metallica and U2 die off and the genre will exist on the fringes as a mere touchstone that popular artists pay homage to, like when a rapper samples an old jazz song or when Jack White pretends to play the blues. Regardless of what happens to rock in the future, though, it’s actually in a great spot right now, with too many worthwhile acts and splintered subgenres to possibly mention here. While rock may be getting nudged out of the top, its middle is expanding. The more its popularity shrinks, the more it attracts freaks and weirdos—those with something to prove and nothing to gain. The more the traditional rock star career path crumbles, the more it draws in the true, inimitable visionaries making groundbreaking work for the sake of art and not money» - Dan Ozzy su Noisey spara ai pesci nel barile del rock più o meno indie o alternativo: "Rock Is Dead, Thank God".

● "18 New Music Books to Read This Summer" consigliati da Pitchfork, tra cui Ezra Furman alle prese con Transformer di Lou Reed (ho un po' paura, ma garantisce 33&1/3).

● «I want to see a continuation of the music business, and the point I want to drive home is: start young» - ancora a proposito di letture, è uscita l'autobiografia di Seymour Stein Siren Song: tra gli altri, ne parla in un bell'articolo il New Yorker, mentre su Variety c'è un capitolo in anteprima sul primo incontro con Madonna.

● Irmin Schmidt, uno dei fondatori dei CAN, ha pubblicato insieme a Rob Young All Gates Open, "the definitive story of the most influential and revered avant-garde band of the late twentieth century". Trovate una recensione sul New York Times ("Can Was 40 Years Ahead of Its Time. A New Book Helps Us Catch Up") mentre Talkhouse pubblica un bizzarro estratto, una conversazione tra Schmidt e la storica voce di Fall Mark E. Smith.

● "The Good, the Rad, and the Gnarly": una non troppo scientifica ma abbastanza curiosa analisi dell'evoluzione della musica che accompagna i video di skateboard attraverso i decenni, dal punk all'hip-hop.

● Ieri su Rolling Stone il solito articolo sulla fine dei formati fisici della musica ("The End of Owning Music: How CDs and Downloads Died"), mi ha fatto tornare in mente che non avevo segnalato qui l'apologia dei dischetti luccicanti uscita su The Queitus qualche giorno fa: "Perfect Sound For A Little Longer: In Defence Of The CD" (anche se a me sembra non venga troppo approfondito il punto di vista di chi produce musica e inventa modi per arrangiarsi).

● «There a strange relationship between me and the city. If I could speak with Rome I’d tell her, “I owe you my life but please don’t look at me that way”»: la webzine inglese Drowned In Sound intervista i nostri Weird Bloom!

● "Dear Cool Dads and Moms: Stop Bringing Your Young Children To Concerts" (Steve Hyden su Proxx elenca alcune sacrosante ragioni) VS "What Happens When You Take Your Kid To Their First Concert?", la storia di un papà che si fa trascinare dal figlio di sei anni a vedere gli Imagine Dragons dal vivo e ci rimane sotto.

● «We are not releasing this record as a tribute to ourselves: we are not going through the motions. I realised in the practises that we had when we met up again, that sadly we are still vital. The energy was there: I was delighted. Emotional Response are one of the few labels I’d consider giving the time of day to, so when they rang up and asked if I was interested I took it as a sign. I am skint but emotionally am very lucky, I have my soul-mate, I have 2 cracking weans to love and 2 wonderful socialist dogs. I haven’t even got grey hair: no mid-life crisis for me mate, just work to do»: in occasione dell'uscita dell'antologia Trial Cuts curata dalla Emotional Response e della serie di date che faranno di nuovo questa estate, su Louder Than War, una bella intervista ai redivivi Action Painting!, band di Bristol che nei Novanta uscì (un po' a sorpresa, a dire il vero, data l'aggressività di certe chitarre) anche per Sarah Records.