Indiepop Jukebox: the September issue

Un anno e mezzo fa i Jaded Juice Riders dichiaravano di voler conquistare il mondo "one garage show at a time": chissà come sta andando il loro programma. Non sarebbe male se accelerassero un po' i tempi, vista l'aria che tira. In ogni caso, bisogna riconoscere che la band di Irvine, California, si sta impegnando e ha già pronto un nuovo album, in arrivo ancora una volta sulla loro etichetta Spirith Goth Records. Si intitolerà Bowl Cut e la copertina è già irresistibile. Oltre al singolo che lo anticipa, questa notevole Mr. Psycho, segnalo in scaletta titoli come Deathsurf, Peach Beach e I'm Tripping Everyday!

Gli Elva sono la nuova band di Elizabeth Morris, dei nostri amati Allo' Darlin, insieme a Ola Innset dei Making Marks e prima ancora dei mylittlepony. Elizabeth e Ola, coppia nella vita e ora anche nell'arte, fanno base a Moss in Norvegia, e nel loro delicato e luminoso folk-pop filtra tutta la magnifica musica che ci hanno regalato in questi anni. Debuttano con un 45 giri per Where Is At Is Where You Are intitolato Tailwind, in cui le loro voci si intrecciano a meraviglia, e già sto sognando un intero album.

Se l'etichetta che spinge il tuo disco d'esordio cita i Lodger per descrivere il tuo suono e provare a incuriosire gli ascoltatori, ecco, non sono sicuro che la strategia sia quella più vincente, ma di sicuro mi stai già parecchio simpatico. Loro si chiamano Shrug Life, sono in tre, vengono da Dublino e in effetti fanno proprio un indiepop molto energico, con certe sfumature da Ottanta inglesi, sanguigni e proletari (quelle voci sparate sopra le chitarre, quei versi di humour taglienti sulle società contemporanea). L'album si chiama come loro ed esce per la sempre fantastica Jigsaw:

Tornano finalmente a farsi sentire anche i Radiator Hospital di Sam Cook-Parrot! La band di Philadelphia ha prodotto il nuovo album Play The Songs You Like insieme a Jeff Zeigler (già al lavoro con War On Drugs e Kurt Vile) e lo anticipa con questa calda e abrasiva Pastoral Radio Hit, una canzone agrodolce che parla - chi se lo aspettava - d'amore e insicurezze. Il resto arriva il prossimo 20 ottobre su Salinas Records, e non vedo l'ora!

Qui seguiamo il greco trapiantato a Londra George Samaras, meglio noto come Plastic Flowers, dai tempi dei primi demo su Soundcloud, ed è davvero notevole vederlo arrivare al traguardo del terzo album, Absent Forever, secondo per la label statunitense Native Sound. Ad anticiparlo questa How Can I, shoegaze parecchio dreamy che per quanto si sforzi di caricarsi di feedback e distorsioni non riesce a nascondere un carattere malinconico e inconsolabile. Non per niente "through this album Samaras explores themes of personal flaws and downfalls that changed his life and helped him complete Absent Forever". Proprio per questo mi piace che il comunicato di presentazione del disco dica esplicitamente che le canzoni sono state scritte "dealing with massive academic workload and stress for his PhD". Plastic Flowers voce di tutti gli shoegazers fuorisede del mondo!

Sempre in tema di shoegaze, non avevo mai sentito gli Honey Lung, quartetto proveniente da Londra, ma scopro che sono già passati sulla BBC e per festival come il Great Escape. Questo loro nuovo singolo Stuttering Mind, genuinamente uscito dagli Anni Novanta, a prima vista può passare inosservato, ma poi rivela un crescendo che avvolge e che sfocia in un "muro di suono" dal fascino languido, come dei classici My Bloody Valentine alle prese con le forme degli Smashing Pumkins.

I'm going forward! I'm moving backwards!

Spiral Stairs live @ Freakout Club, Bologna 2017/09/26

È il 2017 e qui stasera c’è gente che si fa ancora i selfie insieme a Scott Kannberg. Con una macchinetta digitale, non con il telefono. È il 2017 e qui c’è gente arrivata con addosso una maglietta dei Pavement, ovviamente comprata a qualche data in Germania o in Gran Bretagna, e ovviamente prima che i Pavement si sciogliessero. Li guardo durante il cambio palco, questi miei coetanei del secolo scorso che domattina dovranno timbrare il cartellino come me. Avranno preso ansiosi il biglietto in prevendita come me, e poi si saranno stupiti che qui stasera ci sono tipo sessanta persone al massimo. Avranno detto a casa, ciao vado a sentire Spiral Stairs, ti ricordi, era quello dei Pavement, e mogli e figli forse li avranno abbracciati con tenerezza. Bravo, vai, non fare tardi. È il 2017 e la banda di ragazzini olandesi in apertura ha spaccato abbastanza, suonando con encomiabile tiro pezzi che mi ricordavano un po’ gli Urusei Yatsura un po’ i Get Up Kids, e concludendo con un inno intitolato Indie Academy. Dico, nel 2017. Comunque si chiamano Canshaker: io e i miei coetanei con la maglietta dei Pavement domattina li ascolteremo soddisfatti con gli auricolari in ufficio.
È il 2017 e a un metro da me c’è Spiral Stairs con gli occhiali da vista, pochi capelli corti e bianchi. Sposta il case di un ampli con sopra un adesivo dei vecchi FUCK. Cazzo, penso, sono proprio a Bologna, non potrei essere da nessun’altra parte. E anche se nello stanzone del Freakout non si respira come sempre, come se chiunque intorno a me fosse in tour da mesi, e da mesi non avesse mai visto una doccia o una lavanderia a gettoni, mi viene proprio da pensare che tutto sommato voglio bene a questa città che non mi appartiene e che non ha bisogno di me. È il 2017, ed è l'indie rock. Siamo arrivati qui.
Il concerto poi è un affare a tratti ingombrante, a tratti un po' troppo cattivo e a tratti quasi affettuoso, ma di un affetto scanzonato, mai davvero sentimentale. Kannberg sul palco sembra lasciarsi andare del tutto solo in poche occasioni, e mi pare che la scaletta ingrani un po' a fatica, dopo tre o quattro canzoni, su Unconditional, una delle più belle e distese dell'ultimo album Doris And The Daggers. Un disco equilibrato, che tiene assieme chitarre piene con arrangiamenti di fiati e tastiere, e lo fa con una sua grazia e serenità, mentre qui stasera la band (che vede al basso e alla seconda voce Jon Auer dei Posies) sembra decisa a scrollarsi di dosso ogni traccia di delicatezza. Il suono insegue un impasto caotico che non sempre riesce a governare. Ogni tanto Kannberg si volta di scatto per ordinare al batterista di non rallentare, oppure guarda storto l'altro chitarrista per un assolo uscito scomposto, e non sembra scherzare. Poi magari arriva una splendida Caught In The Rain dei suoi Preston School Of Industry, oppure arriva addirittura una sua cover dei Pavement, tipo Date With Ikea o Kennel District, e all'improvviso tutti, sopra e sotto al palco, sono felici come bambini. Mi torna in mente un post di Matthew Perpetua di qualche mese fa, in cui parlava di Kannberg osservando "his particular type of artsy nerdiness and his oddly evasive approach to expressing himself". Come un ragazzo che non riesce mai a pronunciare fino in fondo i propri desideri e sentisse il bisogno di seppellirli dentro di sé. Una sgangherata Falling Away sul finale (lo so: quasi era meglio non sentirla così) e questo blog torna giovane, ai brindisi sulle onde radio sparate dallo scantinato di Via Masi, e poi una tumultuosa Two States come ultimo bis, con Kannberg che scende in mezzo a quelli rimasti dentro il Freakout per saltare ancora fiero, passare il microfono e urlare. È il 2017, era l'indie rock, porteremo con noi anche questo.

How to love with a broken heart

Che interminabile incanto, i vent'anni degli amori che ti travolgono e tirano giù tutto, i vent'anni invincibili degli "as long as I'm with you / ain't scared of nothing / but losing you". I vent'anni insaziabili, beffardi e spavaldi: "I wanna be a nightmare dreamer / girlfriend stealer, summertime fever / I wanna make out with the grim reaper". I vent'anni di ogni cosa che sembra per sempre, e ogni cosa è sul punto di precipitare: "I loved you more than one night / but you don't remember me". I vent'anni ancora illusi di poter guarire dai vent'anni: "All the things I do / I do to keep my mind off of you / and it's not going great".
I vent'anni bisognerebbe cantarli sempre così, come in questo nuovo album dei Petite League. La musica dentro Rips One Into The Night è il vento in faccia mentre il nostro eroe Lorenzo Cook corre via sullo skate, New York sullo sfondo (su Billboard racconta un po' il suo rapporto con la città). Le sue esuberanti canzoni da sempre qui sul blog suonano forte, tra chitarre a perdifiato e parole sincere di inesauribile adolescenza, come si diceva. Un sanguigno indie rock che può ricordare certi Cloud Nothings da cameretta o un Wavves più indiepop (ah, mi è tornata all'improvviso nostalgia dei Cause Co-Motion!).
Poi, lo sappiamo, i vent'anni sono anche imparare a fare i conti col fatto che i vent'anni scivolano via, e il trucco sta nel saper trattenere qualcosa tra le dita. Petite League riesce bene a mescolare alla sua irruenza garage chitarre acustiche e sporche, e cori sussurrati per chi se ne è andato e non li ascolterà mai: "I learned how to walk with broken bones / how to love with a broken heart". Un terzo disco (in tre anni) che suona fresco e diretto come uno spumeggiante debutto.

"I went out in the storm and I'm never returnin"

"Rock’s Not Dead, It’s Ruled by Women": era questo il titolo decisamente eloquente di un approfondito speciale che, un paio di settimane fa, il New York Times ha dedicato a una serie di band guidate o interamente composte da donne (compreso una specie di articolo/documentario davvero spettacolare). Al centro di questo speciale, tra nomi come Sheer Mag, Diet Cig, Downtown Boys e Soccer Mommy, c'era una doppia intervista a Katie e Allison Crutchfield, sorelle che ormai da un decennio ci regalano dischi strepitosi, prima nei P.S. Eliot, poi come Swearin e ora come Waxahatchee, la prima, e con una più che promettente carriera solista la seconda.
Questa sera, al Mattatoio Club di Carpi (MO) avremo la fortuna di vedere queste due musiciste sul palco assieme. Se amate l'indie rock si tratta di un double bill imperdibile. Allison sta portando in giro il primo disco a suo nome, uscito all'inizio di quest'anno (a suo tempo qui sul blog gli avevo dedicato non poche lodi). I Waxhatchee presentano invece il nuovo Out In The Storm, pubblicato da Merge, album che ha raccolto consensi unanimi e che rappresenta senza dubbio la sua opera migliore e più compiuta. Un disco che trabocca urgenza, passione e combattività: qualcosa di cui l'indie rock ha oggi un gran bisogno.
Intorno a un palco tutto femminile tanto agguerrito, tre uomini a mettere dischi prima e dopo i concerti potrebbero ritrovarsi presto con le spalle al muro: a Fabio "Glamorama" Merighi, Giovanni "The Worst Taste In Music" Papalato e al sottoscritto il compito di riempire il dancefloor del Matta con una "storm" di sorrisi, cuori e brindisi.  Ci si vede a banco!

I wear my heart upon my sleeve

"Where will we go, after today? / Where will we go, after all?"
Sembrano due versi innocenti e semplici. Arrivano da Wear My Heart, canzone quasi al centro di Two Windows, il primo album dei Lali Puna dopo oltre cinque anni di assenza, a sette da Our Inventions. Ma l'altro giorno leggevo un'intervista in cui la cantante Valerie Trebeljahr dava, alla fin troppo esplicita domanda intorno a come mai Markus Acher (The Notwist, 13&God...) fosse uscito dalla band, una risposta in due parole secche: "We separated". E il gelo d'improvviso scendeva su tutti i giornalisti musicali del mondo, sui blogger, sulle riviste, sui synth abbandonati negli studi, sui dischi nei negozi e su quelli negli hard-disk.
"I wear my heart upon my sleeve / It's like an open book to you".
La cosa ironica è che la musica dei Lali Puna è perfetta per questo gelo del cuore e delle parole: custodisce da sempre glitch e sussurri, imperscrutabili silenzi digitali e palpitanti abbracci, buio siderale e piccole trepidanti fiamme portate in palmo di mano. Il genere fuori moda di cui i Lali Puna sono stati tra i principali alfieri, l'indietronica, ha rappresentato per un certo periodo storico l'incredibile compimento di un'utopia: la migliore, fino a quel punto, sintesi di artificiale e umano. Ingenua, forse come ogni utopia, ma se non altro positiva e vitale. Fradicia di malinconia, ma produttiva.
"All things will change / All things must change" (Wonderland).
Qualcosa forse si è spezzato, e la strada intrapresa oggi dai Lali Puna deve avere richiesto coraggio e molta dedizione. La Trabeljahr considera questo disco la sua "emancipazione", il frutto del lavoro di una madre single che ha deciso di non subordinare e abbandonare la propria arte alle fatiche quotidiane. Non capisco bene perché il comunicato che accompagna questo nuovo disco voglia presentare Two Windows solo come votato "a more dancefloor-friendly sound". Io credo sia il contrario: l'atmosfera generale mi appare sospesa, rarefatta, a tratti oscura. Certo ci sono bei momenti con una spedita cassa dritta (Birds Fying High la mia preferita), ma sono gli spazi dilatati della title-track o di Bony Fish (con Mary Lattimore), per esempio, a segnare più in profondità il tono generale. Mentre il pop come lo sanno fare i Lali Puna emerge bene nella sorprendente cover dei Kings Of Leon The Bucket o nel singolo Deep Dream, che invece cita Kylie Minogue.
"Time to sit here / and watch the world go mad / I'm asking for a break / I'm asking for some rest" (Her Daily Black).
Questa potrebbe apparire, al tempo stesso, una resa e una preghiera. Una confessione che non potrebbe essere più intima. La voce di Valerie Trebeljahr, mai così vicina come in questo momento, subito prima di frantumarsi in mille fragili frattali è un sussurro dolcissimo, e mi arriva addosso in tutta la sua impalpabilità. Quante volte ho pronunciato un'identica frase. Eppure, nonostante tutto, nonostante i colori crepuscolari che hanno sempre avuto per me questi suoni, io voglio credere che l'ultima parola ce l'abbia la luminosa canzone messa a conclusione dell'album:
"If you ask me / I would take your hand and say / carry your head up high".

All we do is wait for someone

Le stagioni salvate dalle canzonette, dalle chitarre vorticose, dai battiti veloci e irruenti. Non importa più quali erano i nostri buoni propositi, quale nuovo inizio credevamo di riuscire a intraprendere: “The heart is on restart, and I speak so to speak, but there’s nothing in me” (Recall). Si dice a volte che le canzonette siano vuote, e le canzonette di Guggi Data parlano proprio di vuoto, frasi secche fatte di parole che sembrano suonare vuote, di tempo vuoto che scivola via: “Time takes its toll, I don’t know where to go” (Descending). Un vuoto capace di dissolvere ogni forza di volontà (Willing To Lose) e il senso delle cose di tutti i giorni (Korea Blues). Anche nei momenti più euforici e irragionevoli c’è sempre un’ombra che sembra calare apposta a prosciugare ogni sentimento: “Sharing dreams, I want it all, it’s a selfless kind of thing” (All There Is). L’amore è un’opzione abbastanza indifferente, che in fondo si può abbracciare senza troppo coinvolgimento: “Baby I like your style, you’re so cool, maybe I love you” (Baby). Alla fine il giudizio è impietoso, e nessuno sembra salvarsi: “I’m not free, and you’re just a fool” (900).
Eppure, o forse, proprio per tutto questo, Pop/Rock è uno di quei dischi che ti salva dalla fine dell’estate, che ti scaraventa addosso "Svezia, chitarre supersoniche e malinconia" (come si diceva, stupiti ed entusiasti, qualche mese fa), e che sa scintillare di riverberi e fragorosi feedback, tipo My Bloody Valentine epoca Sunny Sundae Smile, tanto per citare un esempio aulico, oppure i Velocity Girl e i Rocketship, per fare sempre quelli twee, anche se ogni tanto l'album si concede momenti più pomposi e spavaldi, quasi Brit. Gustav Data Andersson, già nei Makthaverskan e nei Westkust, prende tutto quello che gli manca, il tempo e le parole, e da lì riesce a tirare fuori le sue canzonette "pop/rock", proprio come dice il titolo, semplicemente, perché sa bene che soltanto con quelle si salva la fine di un'estate.

Quarantenna 1 Festival: i quarant'anni di Radio Antenna 1!

Questa settimana dalle parti di Modena succedono un sacco di cose belle se vi stanno a cuore le radio indipendenti e la buona musica. Radio Antenna 1 infatti compie quarant'anni e sta celebrando il notevole traguardo con un nutrito programma di concerti, dj set ed eventi, il Quarantenna1 Festival.
Oltre a una maratona di trasmissioni con tutte le voci storiche della frequenza, sono in calendario anche alcune serate live imperdibili.
Domani verso le 21, all'Area Feste di Fiorano Modenese, un bel po' di storia del punk emiliano con Paolino Paperino Band e Lomas assieme sul palco (ma immagino che ci saranno parecchie sorprese) e a seguire il dj set che farà rivivere per una notte il leggendario Oasis Club.
Sabato alle 17, presso Casa Corsini, inaugura la Fonoteca Soneek Room, dedicata alla memoria di Massimiliano "Soneek Max" Teneggi, conduttore, dj e instancabile promotore e divulgatore della musica, dalle frequenze di Antenna 1 e dalle consolle di mezza regione. Max ci manca dal 2010 e questa iniziativa mi pare che gli renda omaggio nel modo più giusto.
Poi sabato sera, ancora live, a partire dalle 20 con Julie's Haircut, MOOD, Giancarlo Frigieri e Fabrizio Tavernelli.
Infine domenica, si trasferisce dentro Quarantenna1 anche il festival Meeting People Is Easy, curato da Youthless Fanzine e arrivato alla nona edizione. Headliner Bruno Belissimo, e prima di lui Gazebo Penguins, Tobjah, Catalog (di prossima uscita su La Barberia Records!) ed Her Skin.
Se volete conoscere un po' meglio la storia di Antenna 1, nata nel lontano e cruciale 1977, e quanto sia stata importante per la musica qui in pianura. sulla pagine facebook trovate una bella serie di video, con ospiti come Gianni Maroccolo, Julie's Haircut e Damir Ivic che la raccontano molto bene. Ci si vede a banco!

"This is a love song, and you're getting older"

Il primo pezzo è Suicide, il secondo Talking Heads. Come se James Murphy volesse stendere un piano cartesiano su cui proiettare il nuovo disco. Il primo pezzo è una canzone d'amore, insolitamente concisa, quasi evasiva per il verboso cantante newyorkese; il secondo è il consueto fiume in piena, e dentro travolge il suo interminabile monologo interiore ("Your head like a block / Stuffed with unwritten letters to some / Far away friends"), le sue amare analisi ("You can't be believed / And you cannot believe what you are told") e il bisogno di essere rassicurato ("You’re still a pushover for passionate people"). L'ultimo verso del primo pezzo si affaccia sul sotterraneo tema della morte che filtra da tante strofe di American Dream. Il secondo si conclude con l'assoluzione ricevuta da David Bowie in persona: "You're just a baby now / You should be uncomfortable". Amen.
Ma James Murphy è troppo bravo a disseminare punti e coordinate, a occupare per intero quel piano cartesiano, e al tempo stesso a tirarsi indietro, a dire che siamo invecchiati e che forse è troppo tardi. Un gesto che potrebbe essere quasi definito il marchio di fabbrica degli LCD Soundsystem. Un gesto che non smetterà mai di procurare interminabile piacere ai critici musicali, e che secondo Chris Richards sul Washington Post elegge Murphy a "Huey Lewis della nostra generazione": AH!
Più avanti nella scaletta puoi trovare le coordinate per qualunque icona venga considerata rilevante nell'universo Murphy: New Order, Liquid Liquid, Gang Of Four, Pere Ubu, Kraftwerk, chitarre acide e cosmiche, synth da film horror, dance e punk, aggiungi a piacere. Tutto si attraversa e tutto si custodisce nella musica e nella geometria degli LCD Sounsdystem. Beat squadrati e bassi poderosi che sorreggono la più plateale malinconia: "I used to dance alone on my own volition / I used to wait all night for the rock transmissions" (chi apprezzerà questa battuta è un cliente assicurato). E al tempo stesso, una drum machine che non potrebbe essere più minimale fa volare come niente archi e cori, e accende il sentimento più epico di tutto il disco: "You can't fight that feeling / That your one true love is just awaiting your big meeting".
L'ansia che mette in moto il nuovo album è l'ansia che spinge Murphy a dover trovare una ragione all'esistenza stessa dell'album, dopo lo scioglimento della band e la gloriosa uscita di scena del 2011 al Madison Square Garden. Ed è proprio da questa posizione nevrotica che scaturiscono le più scoperte confessioni di Murphy: "I've just got nothing left to say / I'm in no place to get it right / And I'm not dangerous now / The way I used to be once". Chiamalo, se vuoi, narcisismo. Ma è un narcisismo che sa trasformarsi ("you can change your mind!"), riciclarsi dentro un discorso fertile e niente affatto arido.
Per un paio di passaggi in cui Murphy rivela qualche prima senile debolezza moralista ("Oh good gracious / I sound like my mom"), abbiamo intere canzoni di magnifica e consolatoria affermazione, agitata e ostinata affermazione dell'autore di Losing My Edge, ancora qui, combattivo e vitale come non mai: "I'm a reminder / The hobbled veteran of the disc-shop inquisition / Set to parry the cocksure of mem-stick filth / With my own late era middle-aged ramblings". Sì sì, ramblings. Ma vengano pure, quei lontani "kids coming up from behind", oggi diventati "bullying children of the fabulous / raffling off limited-edition shoes", ci tradiscano pure gli amici di un tempo (l'impietosa How Do You Sleep per l'ex compare Tim Goldsworthy): James Murphy ha dimostrato di essere ancora in piedi, il lucido misantropo emotivo che amiamo, e magari non interesserà più a nessuno, o meglio: non sarà più cool trovarlo interessante come nel 2001, ma dentro American Dream la sua musica pesta forte e intelligente come sempre.

(mp3) LCD Soundsystem - Tonite

The echo of pleasure can’t return

La vita non assomiglia quasi mai a una commedia di John Hughes, e anche se a volte sembra un'ingiustizia, non credo che reggerei quella tensione. Tutti quei momenti agrodolci, le lacrime e un sorriso, la certezza che il tempo ormai è passato e non ritorna, l'abbiamo avuto, è stato nostro e bellissimo ma non ritorna. Crescere, maturare, appianare tutto, trovare l'amore e intanto la canzone giusta - sempre la canzone giusta - che parte sotto. La vita, per fortuna, non è quasi mai così. Inciampiamo, sbagliamo l'entrata, l'amore non è rosa, le battute migliori ci vengono in mente troppo tardi.
Invece, la musica dei Pains Of Being Pure At Heart, che lungo questi quattro album è cambiata, e dai frenetici stridori di feedback degli inzi si è trasformata parecchio, ora riesce quasi a farti sentire come se la vita potesse davvero assomigliare a una commedia di John Hughes. Il nuovo The Echo of Pleasure è senza dubbio la loro prova più Eighties di sempre. Suoni pieni, carichi di synth, fiati, cori, chitarre vistose, vivide. All'irruenza adolescenziale si è sostituita una cura meticolosa nelle atmosfere che Kip Berman costruisce in studio.
L'immagine di un film di Hughes mi è venuta verso metà scaletta, quando sulla mia preferita, Falling Apart So Slow, è stato spontaneo canticchiare i Simple Minds più plateali. A quel punto, non era più difficile immaginare singoli come When I Dance With You o Anymore in mezzo a una di quelle compilation in cassetta con Human League, A-ah, Ultravox o ABC. Oppure la voce di qualche personaggio di Molly Ringwald sostituire quella di Jen Goma in strofe come "If you don’t lose your breath for the things you believe / How can you know if you really do" (So True).
La capacità dei TPOBPAH di far planare con la massima naturalezza testi semplicissimi che però traboccano inconsolabile mestizia sopra musiche spensierate, da ballare nel più classico dei "breakfast club", raggiunge qui nuovi livelli di crudeltà, altro che "pure at heart".
"Summer comes and summer dies / Kiss me like we’re half alive / Say what I already know / Take my hand, we’re falling apart so slow". E con questo arriviamo alla data di uscita dell'album, un primo settembre che è sempre il vero inizio dell'anno, il commiato dall'estate (the pains!) che ti lascia quel nodo in gola così indiepop.